Si la moda es un negocio de contar historias, debería seguirse que los desfiles son narrativas.
Sin embargo, no pueden serlo. Para empezar, les falta argumento. Es cierto que se puede confiar en que los diseñadores hablarán sobre inspiraciones, viajes o filosofías mientras los ojos del oyente se ponen en blanco. La verdad es que es mejor consumir la mayoría de los desfiles de moda, como ahora todo lo demás, en fragmentos. Son elementos de un scroll interno continuo, tan continuo, algorítmico y adictivo como los reels de Instagram.
De todos modos, así es como este crítico comenzó a ver las colecciones en Milán y París esta temporada, con el resultado de que es mejor considerar lo siguiente como una mixtape, no anclada a una nacionalidad, geografía o contexto específico, aleatoria y en cierto sentido impresionista y probablemente también solipsista en la forma en que todo está fundamentalmente obligado a ser en una economía de atención.
Tomemos como ejemplo a Hermès. La diseñadora Véronique Nichanian es todo menos un nombre muy conocido, probablemente ni siquiera entre aquellos en la estratosfera económica para la que se creó esta marca. ¿Así que lo que? Ella es tan consistentemente buena (y en muchos sentidos mejor) que otras figuras del panteón de la moda masculina, personas como Giorgio Armani o Helmut Lang. Hay una razón por la que no la conoces.
“No hacemos marketing”, dijo Axel Dumas, director ejecutivo de Hermès, en la feria de la empresa. “Ni siquiera tenemos un departamento de marketing”.
¿Por qué molestarse cuando se producen colecciones alegres para aquellas personas cuyas propias iniciales son suficientes, como alguna vez sostuvo el antiguo eslogan de Bottega Veneta? El llamado lujo tranquilo suele generar mucho ruido. La de Nichanian es una versión apagada y susurra riqueza.
Si el dinero no fuera un problema, y si esto fuera un ejercicio de fantasía para el consumo personal, elegiría fácilmente una de sus chaquetas de campo de cuero ligeras como plumas en color lavanda pálido, posiblemente también una chaqueta universitaria de color rosa pálido o definitivamente el cárdigan con bloques de color sutiles. en el dobladillo.
A pesar de los horrores predominantes en el mundo, la temporada que acaba de pasar fue una en la que los diseñadores se apoyaron en lo poético. Tal vez sea precisamente porque las cosas son tan feas que la belleza se ha convertido en un refugio. Lo pensarías basándonos en la colección que el diseñador Satoshi Kondo creó para Homme Plissé Issey Miyake. Las notas del programa señalaron varios detalles complicados del arnés que permitían al usuario quitarse un abrigo confeccionado con una de las telas plisadas patentadas de la casa y enrollarlo en una pequeña mochila de transporte.
Lo que este espectador se llevó de la colección fue un ferviente deseo de haber sido invitado a la próxima boda de Ambani en la India sólo por tener la oportunidad de usar un conjunto de pantalones cortos tipo cargo Miyake en verde espuma de mar o una chaqueta-capa sobre pantalones plisados de color lila o un vestido austero. Aspecto de capas de gasa blanca que era un correctivo a la rigidez que caracteriza a la mayoría de los atuendos de boda.
Si las fantasías nupciales indias se convirtieron en una especie de leitmotiv subconsciente esta temporada, podría deberse a que diseñadores como Junya Watanabe y Rei Kawakubo de Comme des Garçons Homme Plus hicieron riffs tan maravillosos con la ropa formal. Watanabe lo hizo reformulando radicalmente los esmóquines como trajes de retales de mezclilla negra o azul deshilachada, y luego los adornó con parches de hilo blanco y trozos de tartán. Memo para estilistas famosos y también padrinos de boda de todo el mundo.
Kawakubo profundizó en las levitas formales, no por primera vez. Los suyos tenían volantes en las mangas, el dobladillo y los faldones y se mostraban con una banda sonora que incluía la música de Erik Satie para “Parade”. Sirenas, ruido de máquinas de escribir y disparos. Me vinieron a la mente titulares espantosos.
Sin embargo, la elegancia de pensamiento de la Sra. Kawakubo es tal que los diseños también evocan una era diferente a la nuestra, la del Japón post-Edo: formal, cortesana, estilizada y al mismo tiempo naturalista. Es divertido imaginarse usando cosas así para unirse a una de las fiestas de observación de luciérnagas representadas en “Las hermanas Makioka” de Junichiro Tanizaki, uno de los monumentos literarios del siglo XX.
Rick Owens también prestó atención a lo que fue esencialmente el mismo período (décadas de 1920 y 1930), aunque encarnado en los inicios de Hollywood. El espectáculo, celebrado en las escaleras y la plaza del glorioso complejo Art Deco Trocadéro, fue monumental, fantástico y uno de los aspectos más destacados de este observador. También fue rimbombante y absolutamente camp.
Posiblemente sólo un niño excéntrico que creció sin televisión en Porterville, California, en la década de 1960, podría llegar al afecto que Owens siente por las gafas de espada y sandalias de Cecil B. DeMille. ¿Por qué si no alguien montaría un desfile de moda con 10 looks repetidos 20 veces, cada uno en falanges de modelos, más de 200 en total? Contra las cadencias atronadoras del Allegretto de la Sinfonía n.° 7 de Beethoven, las modelos marcharon en batallones: cuatro modelos, cinco líneas, vestidas con camisas de punto cruzadas, pantalones cortos con aberturas laterales y zapatillas Geobasket, casi todas uniformemente blancas.
El espectáculo fue épico como se esperaba. Sin embargo, dejando de lado la teatralidad, la ropa en sí era comercial: chaquetas de motociclista con una variedad de tratamientos recubiertos; abrigos de gasa con capucha a la deriva; capas con capucha; y trajes de caldera. Incluso una versión desinflada de cuero de las botas hasta la rodilla que mostró la temporada pasada parecía menos extraña ahora que el ojo se había acostumbrado a ellas.
Los diseños que Pharrell Williams mostró en Louis Vuitton (un espectáculo con la temática universalizada de “Es un mundo pequeño (después de todo)” que, se podría perdonar el pensamiento, parecía un poco una obra de mercado disfrazada de inclusión), eran más seguros y comerciales. que su última incursión en el cliché del oeste americano. Aceptamos que el Sr. Williams no es Virgil Abloh, cuyas exploraciones de diseño, aunque a veces locas, siempre fueron abordadas con seriedad. Aún así, el Vuitton del Sr. Williams merece un lugar en mi lista de compras mental, aunque sólo sea porque muchos de los looks presentaban un estilo de equipaje creado para la aerolínea pancontinental Air Afrique en los años 1960.
Últimamente, el estilo (un patrón de cuadros multicolor) ha sido repopularizado por tipos creativos como Lamine Diaoune, Amadou-Bamba Thiam y Jeremy Konko, cada uno de los cuales colaboró con Williams en la colección. Rara vez salgo de un desfile de Vuitton con ganas de comprar algo. Sin embargo, esta vez podría permitirme la fantasía de pasear por la terminal de un aeropuerto con una de esas bolsas, tal vez de camino a un seminario sobre Aimé Césaire.
En una lista de reproducción personal para la temporada, los ritmos suaves serían el final. El primero de ellos es una lenta improvisación de la versión elevada y personalizada de Grace Wales Bonner de la moda urbana afrocaribeña. Yo elegiría un “esmoquin” que apareció cerca del final. Su parte superior era una sudadera con capucha estampada basada en el archivo de la artista afrocaribeña Althea McNish, elegantemente combinada con pantalones oscuros y un fajín. Curiosamente, las cualidades retro de la colección de Wales Bonner inesperadamente recordaron la de Giorgio Armani, quien también evocó atmósferas tropicales en lo que fue algo así como su colección número 350 en 50 años.
A veces es divertido jugar a juegos de recursos humanos mientras ves pasar la ropa en una pasarela. Armani cumplirá 90 años en unas pocas semanas, y en un escenario de sucesión imaginario comodín, es maravilloso pensar qué haría Wales Bonner con un gigante mundial cuyos códigos de diseño (pensemos en cazadoras bomber de gamuza, suéteres de punto acanalado, cosas que todavía se parecen a las fotografías de ropa masculina de los años 80 que tomó el fotógrafo Peter Lindbergh y que han influido en los diseñadores desde entonces, son fundamentalmente cercanas a las suyas.
Una versión reducida de looks similares de los años 80 apareció en Prada, donde los diseñadores Miuccia Prada y Raf Simons comparten el gusto por potenciar las referencias retro y hacer que lo pesado parezca cool. Aquí tomó la forma de prendas de punto con cuello en V, cárdigans, cuellos redondos súper ceñidos y pantalones de cintura alta con cinturones trampantojo, usados por los hambrientos necesarios. Esa misma ropa en hombres con cinturas promedio se vería bastante diferente y mucho más convencional.
Por otro lado, las blusas estampadas (aquellas que muestran caras tristes dibujadas por el execrable pintor francés Bernard Buffet) si las usara de manera poco irónica una rata patinadora que apenas tiene edad para afeitarse, serían realmente punk.